Archives pour la catégorie ACME Speaker Series

L’Histoire d’un moyen d’expression est-elle réductible à ses best-sellers ?

ACME Speaker Series

« La bande dessinée est-elle réductible à ses best-sellers ?« 

Philippe Capart (La Crypte Tonique)

 Lundi, 15 février 2016, à 17h
Local Commu 2 (Bâtiment A1)
Place du XX Août, Liège

saskialight-2 La Crypte Tonique et son gardien
(c) Saskia Vanderstichele (Agenda, 2011)

 

Il s’agira d’aborder la question du corpus qui est englobé dans les termes « bandes dessinées ». Prenant appui sur ce qu’il a trouvé dans les soutes de Michel Deligne et son travail sur les formats et les PFA (petits formats adultes) réalisé au sein de la Crypte Tonique, imaginer une histoire de la narration graphique qui s’échappe du circuit fermé des best-sellers et des pionniers: Töpffer-Ware.

 

Philippe Capart. Né en 1973, formé à la bande dessinée et au dessin animé. Par curiosité professionnelle, s’intéresse aux coulisses des métiers de la narration graphique dont découle l’ouvrage co-écrit avec Erwin Dejasse « Morris, Franquin, Peyo et le dessin animé » et le documentaire « Belvision, la mine d’or au bout du couloir… ». Fonde le magasin-magazine « La Crypte Tonique » qui est actif depuis septembre 2011 (www.lacryptetonique.com).

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Frankenstein, une créature graphique : adaptations en bande dessinée

The ACME Speaker Series Presents:

 

Conférence
« Frankenstein, une créature graphique
adaptations en bande dessinée
« 

interventions de Véronique Bragard (UCL)
et Logan Labrune (Bangor University)

 

 Lundi, 4 janvier 2016, à partir de 14h
Local A2/6/11
Place du XX Août, Liège

 frankenstein-banner(c) Alex Baladi, Gris Grimly, Denis Deprez

 

Assemblage, matérialité et abjection dans les adaptations BD francophones de Frankenstein

Cet exposé présentera les pistes de réflexion d’un travail en cours (en collaboration avec Catherine Thewissen) sur les réécritures francophones récentes du célèbre roman Frankenstein. Si le docteur Frankenstein abandonne sa créature, ce n’est pas parce qu’elle est est « laide » mais abjecte, qu’elle menace les contours de l’identité corporelle. Alors que le roman ne s’attarde que très peu sur cette question pour privilégier une intrigue philosophique sur la responsabilité, les productions Bds récentes en font la base-même de leur approche. Nous tenterons ici de voir la capacité et manière dont la BD peut appréhender la question de l’abject et de la déformité (disability studies) dans FrAnKeNsTein (2003) de Deprez et Frankenstein, Encore et Toujours de Baladi (2001). La matérialité du dessin renvoie à la matérialité déformée du corps fragmenté de la créature. Celle-ci devient posthumaine, monstrueuse et objet de dégout. Le lecteur devient alors celui-là même qui ressent le dégout et est forcé d’accepter cette chose qu’il voudrait lui-même exclure.  La peur du monstre violent devient une peur du corps en putréfaction et déformation. Continue la lecture

Dessin de presse, comic strip et pionniers de l’animation – A Conference by Stéphane Collignon (HEAJ)

The ACME Speaker Series Presents:

 

“Dessin de presse, comic strip et pionniers de l’animation”
Stéphane Collignon (HEAJ)

 Vendredi, 11 décembre 2015, à partir de 10h30 Local A2/5/16 (Bât. A2, Place du XX Août, Liège)

sullivan_felix2 Pat Sullivan, Felix the Cat

 

En 1967, Lawrence Streicher affirmait que si la caricature, le « cartoon », le comic strip et le dessin animé sont apparus historiquement dans cet ordre, ils ont depuis existé ensemble et sont connectés dans une séries de créations qu’il qualifie de « para-artistique ». Pourtant, cette « comic-strip connection » comme l’appelle quelques chercheurs, semble étonnamment sous-étudiée. Les pionniers de l’animation ne cache toutefois jamais leurs racines imprimées, au contraire, il s’agit même d’un argument de vente. Ce n’est pas un dessin animé que les premiers spectateurs viennent voir, mais un comic-strip qui bouge. Il faut attendre près d’une dizaine d’année avant que l’animation ne commence à se penser une esthétique propre, qui tienne compte des spécificité du médium. Il est dès lors possible, en étudiant l’esthétique mise en place au tournant du 19e siècle par la caricature, de comprendre la naissance de l’esthétique animée, mais surtout, de s’apercevoir que le fondement de cette esthétique, s’il est adapté au grand écran et aux nécessités de l’image animée, ne disparaîtra pas. Ce faisant, dans un contexte relativement pauvre d’étude sur la réception de l’esthétique animée, il devient possible de forger un modèle théorique de l’esthétique animée reposant sur l’étude de la caricature et du comics. Modèle pouvant par la suite être réinjecté dans une compréhension plus globale de la narration graphique. Continue la lecture

Nostalgia Isn’t What It Used to Be – A Conference by Giorgio Busi-Rizzi (UNIBO/KU Leuven)

The ACME Speaker Series Presents:

 

“Nostalgia Isn’t What It Used to Be.
Some Notes towards a Phenomenology
of the Nostalgic Feeling”
Giorgio Busi-Rizzi (UNIBO/KU Leuven)

 

 Mardi, 3 novembre 2015, à partir de 10h30
Séminaire LE
(ISLV – bât. A1, Place du XX Août, Liège)

 

seth_hats_004(c) Seth

 

This presentation aims to conduct a survey of several graphic novels revolving around the theme of nostalgia and/or adopting aesthetic features that elicit it. I will start by reconstructing the historical evolution of the concept of nostalgia, following its metamorphosis from medical to psychological to everyday discourse, from a fully negative connotation to the richly nuanced semantics the term has nowadays, encompassing, at least in its extended use, the whole spectrum of feelings till the escapist jouissance of retro and vintage. I will then isolate a series of features that can help navigate through the concept of nostalgia, following some axes that help better understand its implications, and try to explain what seems to make comics so suitable to express or stimulate nostalgic feelings. Finally, I will briefly discuss the corpus of graphic novels I am currently researching on, quickly showing how, in my view, each of the selected work finds its own peculiar way to deal with nostalgia.

 

Giorgio Busi Rizzi is a PhD student with a joint supervision by the Universities of Bologna and Leuven. His research project focuses on nostalgia in a selection of graphic novels. He is interested in comics studies, narratology, humor theories and translation, and TV series.

 

The ACME Speaker Series is organized by the Comics Research Group ACME (http://www.acme.ulg.ac.be/) and sponsored by BeIPD-COFUND ULg.

 

L’Expérimentation en bande dessinée : rencontre avec Pascal Matthey et Pedro Moura

The ACME Speaker Series Presents:

“L’Expérimentation en bande dessinée”
Rencontre avec Pascal Matthey (artiste)
et Pedro Moura (ULisboa/KU leuven)

 Mardi, 6 octobre 2015, à partir de 10h30
Salle Pousseur, Complexe Opéra
(Pl. de la République Française, 35, Liège)

DSC00822(c) Pascal Matthey, 978, La Cinquième Couche, 2013.

Auteur de Pascal est enfoncé et de 978, Pascal Matthey évoquera son travail et la question de l’expérimentation en bande dessinée, qui sera ensuite reprise à un niveau théorique par Pedro Moura, critique et chercheur portugais.

10h30 – 12h30
Introduction par Pedro Moura
Conférence de Pascal Matthey suivie d’une session de question-réponse

14h – 16h
Introduction par Aarnoud Rommens
Conférence de Pedro Moura : “A Typology of Comics’ Experimentalism”

Comics is a complex and varied art form, which has gone through many changes throughout its history. However, despite the continual talk about the « potential of comics », most of the critical attention—whether scholarly, journalistic, museum-related or even in more popular contexts—is geared towards conventional examples which focus on formal and narrative aspects, thereby neglecting an important part of its production, especially what might be called the ‘experimental’ genre. In this informal talk I will discuss a rather straightforward typology of experimentalism within the medium of comics, trying to identify new paths for formal analysis by paying attention to a number of its specificities. Drawing from multiple examples throughout the history of comics as well as across multiple geographic sources and styles, a heuristic approach will unfold. Although this cannot but remain an ever-expanding work-in-progress, I believe these principles can lead to further productive investigation.

 

L’ACME Speaker Series est organisée par le Groupe de recherche en bande dessinée ACME (http://www.acme.ulg.ac.be/) et sponsorisée par BeIPD-COFUND ULg.

“The Comics Medium’s Dominant: A Narratological Perspective” – A Conference by Steven Surdiacourt (KUL)

The ACME Speaker Series Presents:

“The Comics Medium’s Dominant: A Narratological Perspective” -      A Conference by Steven Surdiacourt (KUL)

 Thursday, 23 April at 17.00. Location: Séminaire media (S. media), Bâtiment central (A1), Etage 2.

(c) Jamie McKelvie, page from Young Avengers, Marvel.

 In my paper, I will address the issue of the comics medium’s dominant, the problem of determining, in Roman Jakobson’s (1987 [1935], 41) words, which form of organization is the “focussing component” that “rules, determines, and transforms the remaining components” and thus “guarantees the integrity of the structure.” My starting point is the subquestion of the specificity of storytelling in graphic narratives, the question of what defines the articulation of narrative meaning in the medium of comics.

 I will show that comics are commonly understood as torn between the unifying forces of sequentiality and the centrifugal forces of segmentivity and tabularity. This has two important consequences. Firstly, by equating narrative and sequence, it obscures some of the most interesting aspects of storytelling in comics, aspects that set it apart from other medial forms of narration. Secondly, and even more importantly, this understanding both leads to and perpetuates the idea that comics are inherently defective, that the medium is not very well suited for storytelling as it continually threatens, due to its very form, to distract the reader, to interrupt the sequence.

 As I will argue however, the problem lies not with the medium itself but with the dualist conception of narrative representation that commonly underpins the theoretical reflection. It can be resolved by endorsing a new and radically different understanding of mimesis, dubbed “dual-aspect mimeticism” by Stephen Halliwell (2001). This different conceptualization of mimesis, based on the idea that the form and the content of the representation are inextricable, allows for a much more dynamic understanding of the comics medium’s dominant, which, in turn, enables a more accurate description of storytelling and, most crucially, a more favourable appreciation of the medium’s representational capacities.

The ACME Speaker Series is organized by the Comics Research Group ACME (http://www.acme.ulg.ac.be/) and sponsored by BeIPD-COFUND ULg.

 

Imaginings of the First World War in Comics: The Role of Image-Making in ‘Une Aventure rocambolesque de Vincent van Gogh’ and ‘Les Folies Bergère’ – A Presentation by Maaheen Ahmed

Imaginings of the First World War in Comics: The Role of Image-Making in Une Aventure rocambolesque de Vincent van Gogh and Les Folies Bergère

Par Maaheen Ahmed (UGent)

Université de Liège, Friday 20 March at 10:30. Bâtiment central (A1), Salle 2E/1 – Salle Petit Physique

Famous modern painters, who moved away from the figurative impulse of traditional painting, play an important role in the World War One comics by Francis Porcel and Zidrou (Les Folies Bergère) and Manu Larcenet (Une Aventure rocambolesque de Vincent van Gogh - La Ligne de Front). In the former, Claude Monet is the protagonist of one of the several loosely interwoven storylines. In the latter, Van Gogh is, anachronistically, sent to the front line to paint. That a painter, and not a photographer, is ordered by the President to capture the essence of the fighting, just like scenes from the trenches alternate with scenes of an aged Monet painting in his gardens, question the role of art in such situations of extreme violence, testing the limits of mimesis, of realism as well as abstraction.

Given that these artists find themselves on the pages of a comic book, the questioning of the role of art, and of image-making in general, is self-reflexive. How can the all too familiar horrors of war be represented in a way that disrupts the aura of familiarity around them? Through giving into the unreal, these two comics seem to answer. Hallucinations, that are mostly nightmarish, allude to the scope of war's ungraspable horror. Images are thus made not only by hand, but also by the minds of the men at the front line. Whereas the soldiers' imagination disrupts the reality of the war being narrated, while giving visual form to the magnitude of the shock experienced by those thrust into it, the interspersing of Monet's and Van Gogh's trademark styles that thrive on color rather than clearly outlined forms also create ruptures based on the stark contrast between the distanced, abstract beauty of art and the immediate, existential horror of war.

This talk will focus on the function and nature of these images, drawn by the painters or imagined by the soldiers and, ultimately, the comics artists, comparing it with the trend of nouveau réalisme in comics (such as those by Jacques Tardi) but also turning to the discourses around shell-shock and the representation of the unrepresentable.

Maaheen Ahmed is a Flemish Research Council (FWO) postdoctoral fellow at Ghent University's English Department, as part of the Cultural Memory Studies Initiative (CMSI). Her current project is on the portrayal of psychological damage in comics in both collective and personal contexts.

A Conference organized by the Comics Research Group ACME (http://www.acme.ulg.ac.be/) and sponsored by BeIPD-COFUND.

‘Building Stories’ : Un ‘objet culturel non identifié’? Chris Ware et le Roman Graphique à l’ère du numérique – Une conférence de Benoît Crucifix

Building Stories, Un ‘objet culturel non identifié’? Chris Ware et le roman graphique à l’ère du numérique.

Par Benoît Crucifix (KULeuven)

 Université de Liège, jeudi, 26 février 2015, 15h00, Salle de cours du CIPL (A4)

BuildingStories_sprawled

Building Stories, le dernier ‘roman graphique’ de l’auteur américain Chris Ware paru en 2012, se compose non pas d’un seul livre, mais d’une multitude d’objets imprimés sous divers formats et réunis au sein d’une boîte en carton surdimensionnée. Dépourvu de mode d’emploi, le lecteur est invité à combiner ces différents fragments et à construire ainsi un potentiel récit. L’ouvrage présente un paradoxe apparent entre un hommage au support imprimé et un format qui emprunte aux pratiques de lecture généralement associées aux nouveaux médias. Cette double facette incite à une réflexion poussée sur la place de la bande dessinée dans son contexte culturel et médiatique, vis-à-vis de l’ère du numérique et de l’essor du roman graphique comme format éditorial culturellement légitime. Avec Building Stories, Ware offre une réaction productive à ces changements. Nostalgique invétéré, l’auteur se propose en effet de sauvegarder l’histoire matérielle de la bande dessinée et la diversité de ses formats; mais Building Stories avancent tout à la fois des modes de lecture caractéristiques des médias numériques, où le récit est dès le départ ouvert à de multiples agencements et variations, au gré des choix du lecteur.

 Benoît Crucifix a obtenu un master en langues et littératures modernes à l’Université catholique de Louvain, où il a rédigé un mémoire sur Building Stories de Chris Ware. Il poursuit un master spécialisé en études littéraires à la KU Leuven, tout en préparant une proposition de recherche doctorale sur le rapport des auteurs de bande dessinée à l’histoire de leur pratique. Sur le côté, il contribue régulièrement aux sites web Graphixia et du9.